The Post

 

Por varios motivos, siempre es una alegría y una satisfacción el poder saber que Steven Spielberg estrena una película. Esto siginifica que el buen cine no va a morir nunca y tampoco que sea vacío de contenidos. Así, con ese espíritu ilusionado, me senté en la confortable butaca del cine para, una vez más, dejarme transportar por la magia de Spielberg.

“Los archivos del Pentágono”, título español muy lejano a “The Post”, narra los acontecimientos ocurridos en Washington en 1971 cuando el director del periódico The Washington Post, Ben Bradlee, y la dueña editora del periódico Katherine Graham descubren una filtración de documentos clasificados y escritos por el Secretario de Defensa Robert McNamara durante el mandato de John F. Kennedy, y posteriormente con el Lyndon B. Johnson, que demostraban la mentira y manipulación de la información a los ciudadanos americanos sobre la Guerra del Vietnam desde 1965. Mentira que continuó durante la presidencia de Richard Nixon y que tuvo su primera repercusión con la primera publicación en el The New York Times y que, más adelante, continuó el The Washington Post provocando la dura reacción de Nixon y de los tribunales. Fue una dura batalla y un gran escándalo sin precedentes entre la prensa escrita y un Gobierno de los Estado Unidos.

Spielberg es un gran virtuoso de la narración cinematográfica y nos deleita con esta fenomenal película realizada en un tiempo record para lo que vienen siendo sus trabajos en el cine. Alrededor de 6 meses fue el tiempo que empleó en rodarla y montarla para su final proyección en las salas. Nos ha llegado antes de otra que rodó primero titulada “Ready Player One” que podremos ver en nuestro cines el mes de Marzo de este año. Aun así no adolece de ninguna carencia ni defrauda en ningún aspecto porque las intenciones de este maestro director de cine quedan bien plasmadas en su narrativa, sus imágenes, sonido, música y movimientos.

En lo que viene siendo un campo bien dominado por Spielberg, la ambientación en otras épocas, The Post logra esa credibilidad indispensable para que con la estética adecuada el espectador no le quepa duda del momento en el que se va a sumergir. Decorados por un lado y un diseño de vestuario y estilismos por la prestigiosa Ann Roth nos hacen posible esa estética. No olvidemos que a lo largo de su larga carrera, Steven Spielberg, se ha rodeado de un equipo sobresaliente y bien reconocido con premios; me estoy refiriendo a Michael Kahn (Editor de Montaje – Oscar con Shindler´s List) , Janusz Kaminski (Cinematografía o Director de Fotografía – Oscar con Shindler´s List) y el maestro John Williams (Compositor de innumerables bandas sonoras y tantas veces premiado con varios Oscars en su haber, menos de los que se merecería).

John Williams compone una banda sonora propiamente incidental para dar ambientar cada momento de la película. No es una partitura con momentos intensos ni con melodías definidas a modo de temas sino todo lo contrario. Nos recuerda mucho a su estilo típico narrativo y se nos queda corta en recursos musicales o golpes de efecto pero, sin duda, es una partitura que se ajusta como un guante a las necesidades de la película y, sobre todo, a las intenciones del director.

La esencia Spielberg llena la pantalla con todo su potencial. La imagen, el sonido y el movimiento de cámara definen el ritmo de la historia. Su estilo narrativo nos recuerda a los grandes directores que admira y que admiramos todos como John Ford, David Lean o Victor Fleming. Las presentaciones de personajes, sus acciones, miradas y los planos secuencias realzan la calidad de sus películas y de sus actores. Muchas de sus escenas son en plano largo viéndose a los actores conversar de forma natural a modo de teatro y eso imprime más realimo a la historia y a la secuencia en si. Acciones y reacciones. Entorno y conjunto. Dosifica en su justa medida el plano-contraplano para fijar detalles o remarcar aspectos más trascendentales de las conversaciones y de la trama.

La explicación de este estilo de narrativa cinematográfica requiere un apartado especial en este blog que ya incluiré más adelante pero hay algo de lo que sí podemos afirmar ahora y es que sólo funciona bien con grandes actores de la interpretación. Escenas teatrales donde se aprecian los recursos dramáticos enriquezcen la película. Aquí gozamos de un elenco de actores muy bueno y encabezado por dos de ellos que llevan todo el peso de la película que son Maryl Streep y Tom Hanks interpretando a Katherine Graham y Ben Bradlee respectivamente. El resto del reparto francamente excelente por muy nimia que sea su intervención.

El talento de Maryl Streep nos lleva una vez más a poder disfrutar de otra gran interpretación digna de ser candidata a otro premio Oscar por vigésimo primera vez (¡!). Es extraordinaria esta actriz capaz de ser tan versátil y de poder interpretar cualquier personaje por complicado que este sea. Hace grande cualquier interpretación, desde la comedia más simplona (“No es tan fácil”– 2009) hasta papeles como en el de esta película u otras como “La Dama de Hierro” de 2011. Por otra parte tenemos a Tom Hanks que sigue siendo uno de los mejores actores que ha dado el cine desde los años 80. En este caso me atrevería a decir que me esperaba un duelo interpretativo de altura de estos dos “actorazos” pero me temo que es menos destacable la interpretación de Tom Hanks. Primeramente porque ella es la dueña del periódico y además siendo mujer en un mundo agresivo de hombres donde a la más mínima debilidad puede ser aprovechada por las múltiples fauces masculinas que le rodean. En cambio, Ben Bradlee es el director editorial del periódico que ya ejerce su autoridad y es bien sabido su estilo y mando. Fumador empedernido, déspota que le permite poner los pies en las mesas por muy altas que éstas sean. Aquí, Tom Hanks, lo ha tenido complicado porque, en mi opinión, se ha quedado corto y además contaban con una gran desventaja y es la comparación.

En 1976 se realizó otra película de corte muy similar en temática, personajes e historia llamada “Todos los Hombres del Presidente” cuyo comentario merece otro post en mi blog. Allí, el actor Jason Robards interpretó a Ben Bradlee de manera magistral consiguiendo un Oscar como mejor Actor de Reparto. Tom Hanks decepciona un poco con su interpretación que era muy difícil o, mejor dicho, se esperaba más de él y de ese personaje tan rico en matices, gestos y diálogos. No es muy convincente en la manera de fumar, no es agresivo dirigiendo al resto del equipo del periódico ni incluso poniendo los pies en las mesas. De todas formas, ni mucho menos desmerece su interpretación o el resultado final de la película.

A continuación mencionaré un par de detalles de la película que me gustaría resaltar y que, a mi juicio, merecen la pena detenerse un poco:

En una sala donde se van a copias los documentos secretos, aparecen varios posters de películas de aquella época. El plano secuencia comienza con una imagen casi fija del poster de “Butch Cassidy and the Sundance Kid” (Dos hombres y un destino) protagonizada por Robert Redford y Paul Newman. El guionista y el actor de esa película, William Goldman y Robert Redford, son el guionista y productor de otra película muy en conexión con The Post, “All the Presindent´s Men” (Todos los Hombres del Presidente). Como ya sabéis esta película narra los siguientes acontecimientos del escándalo del Caso Watergate que fue el remate final de la Administración Nixon acabando con su dimisión y la de todo su gobierno.

Una pieza importante de la narración de la película es el MacGuffin. Como ya sabéis este término designa en cine, como bien describió y usó el Maestro Alfred Hitchcock, el objeto, interés o concepto por el que los actores se mueven en la película y que el espectador desconoce porque no es importante para ellos pero sí para los personajes. En este caso, el contenido de los propios papeles del Pentágono. En ningún momento se desvela lo que contienen o si son ciertos o no pero en torno a ellos gira y se desarrolla la trama de la película. Es un buen ejemplo de MacGuffin y, de hecho, es tan vibrante la historia que en ningún momento se echa en falta nada de ellos.

Hitchcock explicaba el término con esta historia: Dos pasajeros que comparten departamento en un tren conversan. Uno le pregunta al otro: “Perdone que le moleste mi indiscreción pero qué es ese objeto tan voluminoso que lleva en el compartimento de arriba”. El otro pasajero le responde: “Es una arma para cazar los elefantes de Alemania”. A lo que el otro le replica: “…pero señor… No hay elefantes en Alemania” y el otro termina: “Ah! Pues entonces es el MacGuffin”

Al hilo de estos papeles secretos, hasta que éstos no son bien presentados al espectador son manejados muy sutilmente en pantalla por Spielberg. Siempre desde un plan posterior y en manos de alguien. El punto de vista del espectador está siempre a la altura de las manos como a un metro del suelo; como queriéndonos decir que los personajes se traen algo misterioroso entre manos. Somos testigos indiscretos de lo manejan al igual que el espectador seguía el maletín de Marnie La Ladrona en la estación de tren después de haber cometido el robo. Los objetos son muy importantes en la cinematografía de Spielberg y con frecuencia los utiliza para presentación de personajes. Los objetos van siempre ligados a historias o personajes y este apartado es merecedor de otra sección especial en este blog.

No quiero extenderme más e ir cerrado este comentario con una encarecida recomendación para disfrutar del buen cine de entretenimiento que, no por ello, dejar de tener un mensaje claro en defensa de los valores y ética del buen periodismo. Tampoco podemos olvidar el importantísimo papel que la mujer empieza a desempeñar en aquella sociedad tan machista donde era ignorada y apartada de importantes decisiones.

Está nominada a dos premios Oscar, mejor película y mejor interpretación femenina en un papel protagonista a Maryl Streep. Con casi toda seguridad que no se lleve ninguno de los dos pero de eso Spielberg ya sabe mucho….

La La Land. La magia ha vuelto.

Mis queridos cinéfilos, efectivamente, la magia ha vuelto. Y ha vuelto en varios sentidos. En el plano personal, diré que he comenzado este año 2017 con muchas ganas e ilusión por continuar mis artículos en el blog Topayeya Cinema después de tanto tiempo en el dique seco. Otro de ellos, y muy relacionado con el primero, es que he encontrado la película perfecta para retomar mi escritura. Una película de amor, musical, de optimismo y de lucha por los sueños que uno ansía en la vida. Además, y no menos importarte, esta película representa un momento muy especial y bonito en mi vida por circunstancias personales.

¿En qué otros aspectos ha vuelto la magia?  De un tiempo a esta parte, me ha costado encontrar la magia que tiene el cine. Me he inundando durante muchos meses de un cine carente de buenas ideas y sobre explotador de historias ya antiguas, pero exitosas en su momento, de las que poco jugo se puede ya sacar hoy en día. Un cine con ganas de resurgir y que, por fin, lo ha coseguido con una película muy merecedora de reconocimiento y que desde The Artist no había conseguido ninguna otra, en mi opinión.

Estamos ante un bello y extraordinario ejercicio visual y colorista que nos transporta a un mundo mágico. En realidad, es doblemente mágico ya que versa sobre el cine dentro del cine. Ya me entenderéis cuando la veáis. Desde que acabó la época gloriosa de los buenos musicales de Hollywood, siempre ha supuesto un riesgo para los directores y guionistas aventurarse en este mundo en el cine de hoy día. Lo mismo ha ocurrido con los westerns. Algunos musicales se han hecho, claro, y han tenido éxito, pero pocos. La mayoría han pasado muy desapercibidos o no han sido meritorios de reconocimiento. Disfrutamos con Chicago, basado en su propio musical, y Los Miserables que también se nutre de sus múltiples versiones y que alcanzó un brillante éxito al ser grabado en directo, aspecto realmente novedoso. Por eso, es admirable la gran apuesta de esta película y su buen resultado.

En La La Land vemos una película arriesgada y novedosa. Por eso me encanta ya que escapa a los convencionalismos. El guión es original, escrito y dirigido por Damien Chazelle, un joven director estadounidense que ha dirigido pocas películas todavía y que está demostrando tener un gran dominio de la imagen,  con bueas ideas y con talento. Ésta es su tercera película y acaba de recibir 14 nominaciones a los premios Oscar de la Academia de Cine que ya, de por sí, es un gran reconocimiento. No olvidemos su anterior película, Whiplash, que obtuvo 3 premios Oscar de las 5 candidaturas a las que fue mencionada.

En esta ocasión se nos brinda una bonita historia de amor y de sueños alcanzables que nos transporta a la magia del musical y a la magia del cine. Hay vatios momentos a modo de  homenajes a lo largo de la película y que nos recuerdan a otros musicales de la época dorada de Hollywood como Cantando bajo la lluvia o Un americano en Paris. Sus temas de amor o estampas de un bonita plasticidad y elegancia como si el mismo Stanley Donnen le hubiese aconsejado. El mejor ejemplo de ello y de lo que estoy hablando es el cartel Printed in Cinemascope que aparece al principio de la película. Para los que somos cinéfilos, nos supone un cosquilleo que ilumina nuestra cara y nos predispone a disfrutar.

Los números están muy bien trabajados con dinamismo, ritmo y colorido. Cabe destacar el de la apertura que, como debe ser, desborda alegría, rítmico y «buen rollo» para preparar al público a que se entregue desde primer momento. Novedoso, arriesgado, inesperado y vibrante: así definiría este inicio que consigue meterse en el bolsillo al espectador con un número genial de bailarines entre los vehículos detenidos en embotellamiento de una autopista (Another day of sun). Hasta los propios vehículos forman parte de ese baile. De hecho, tras él se presentan los protagonistas en una transición muy elegante y natural. Un preludio al optimismo y a las ganas de perseguir el sueño de tu vida y que, a lo largo de la película, se irá desgranando.

El color. Sus combinaciones al lo largo de la película son tan especiales que forman parte muy intrínseca de la historia y yo lo consideraría como otro personaje más. De hecho, conforme avanza la historia éstos van virando a gamas y otros brillos. Otro momento bueno es el que vemos en el número Someone in the crowd donde el que arco iris del optimismo y las ganas de encontrar tu sueño focalizan la atención del espectador. La plasticidad de las escenas y la presentación son esenciales en un buen musical. Debemos entender que en cada número musical se cuenta una pequeña historia con un inicio, un desarrollo y un desenlace. Y todo ello con la imagen, la palabra y la música montado al ritmo justo y preciso para que funcione. Transmite un mensaje y una idea consiguiendo emocionar a los que, por un momento, vivimos en La La Land.

Los actores protagonistas son Ryan Goslin y Emma Stone, una pajera guapa y muy natural que ya compartieron momentos en otras películas y que tiene una muy buena conexión entre ellos, lo que favorece a la historia y el resultado final sean ideales. Cantan y bailan….y él toca el piano. Considero que las interpretaciones son algo desiguales ya que ella destaca mucho más que él, si bien es cierto que el papel de ella tiene mucho mayor lucimiento interpretativo, con diversidad de registros bien aprovechados. Ambos están nominados a los Oscar por sus interpretaciones pero a mi entender lo veo más como reconocimiento a su brillante trabajo más que como meritorios de un premio con tanto peso como el del Oscar. Aunque os recuerdo que interpretaciones mediocres han recibido premios ante el asombro de todos.

Cantan y bailan que da gusto verlos. Ryan aprendió piano y fue él mismo el que lo tacaba en las escenas. Personalmente os digo que disfruté mucho con sus solos al piano porque dan un toque muy intimista y personal al personaje transmitiendo sentimiento y emotividad. City of Stars tocado y cantado a dúo con Emma es de una gran belleza y naturalidad. Fiel reflejo de la complicidad que existe entre ellos.

Justin Hurwitz es el compositor de esta banda sonora plagada de canciones a cual más bonita. Fue nominado a los Oscar por la anterior película Whiplash, del mismo director, y ahora de nuevo repite con otra nominación y es candidato a otros muchos premios por esta misma labor.

En definitiva, una bonita película que nos transporta a este mundo mágico del cine dentro del cine, con sueños y colores; risas y lágrimas, cambios de ritmo y, sobre todo, ganas de vivir y de sentir que te hacen saltar de la butaca al terminar la película y perseguir tu sueño bailando y cantando.

Monuments Men

Está siendo poco habitual, últimamente, no hacer violencia por violencia y guerra por guerra en la películas actuales  cuyos temas son bélicos en realidad. Aquí tenemos un buen ejemplo de película ambientada a finales de la II Guerra Mundial donde podría haber estado muy justificada la violencia y las escenas de guerra y, al contrario más bien, es una historia tranquila e interesante (no sin sus sorpresas) protagonizada por un elenco muy entrañable.

Basada en unos acontecimientos reales y en una novela, George Clooney y Grant Heslov han elaborado un guion interesante y apto para todos los públicos donde nos cuentan como un grupo selecto de hombres aliados especializados en arte y en historia son elegidos para recuperar las obras de arte robadas por Hitler durante la guerra. No sólo para devolverlas a sus legítimos dueños sino para evitar, como se dice en la película, que nuestra historia y nuestro arte desaparezca para siempre. Arriesgan sus vidas en misiones difíciles donde el tiempo corre en su contra.

Esta historia y este argumento suenan tremendamente atractivos ya que uno podría imaginarse una película espectacular y llena de aventuras. Bien, no quiero decepcionar pero no es su estilo ni mucho menos. Nos tendríamos que remontar a narraciones del cine bélico clásico no violento donde la trama y el mensaje propagandístico y de salvación por parte de los aliados era lo importante. Quiero que se me entienda bien porque en realidad así ha querido hacerla Clooney y con mucho acierto, a mí entender. Considero que es un bonito homenaje a ese cine sin olvidar que George Clooney como director ha querido darnos a conocer algo de la historia que hemos pasado por alto y que debemos ser conscientes de ella.

La dirección artística, los decorados y, a fin de cuentas, la puesta en escena son muy buenas y quizá por eso echemos en falta una trama argumental más atractiva en su desarrollo. Más escenas de acción, giros argumentales menos predecibles y un guion algo más complicado para salir del cien con ese buen sabor de boca al ver una película más “redonda”. Las interpretaciones son más bien discretas, e insulsas en ocasiones, no sé si respondiendo a un alarde de modestia poco pretenciosa o porque en realidad se prioriza la historia y lo relevante de la misma más que quienes la hacen. Evidentemente es un cartel muy atractivo: George Clooney, Matt Damon, Bill Murray, John Goodman, Cate Blanchett, Jean Dujardin, Hugh Bonneville y Bob Balaban. Está claro que el gran reclamo son ellos.

Poco más añadiré a mi comentario, en definitiva, una historia interesante, con actores entrañables y buena ambientación que hacen que sea una agradable y simpática película de la voy a guardar un recuerdo muy especial y bonito por motivos personales.

Nebraska

Hubo un par de detalles que ya me delimitaron el tipo de película, tan solo, sin verla. El cartel con el perfil de Bruce Dern y el director, Alexandre Payne. Cualquiera que haya medio seguido su trayectoria reciente podría saber el estilo de la historia y cómo nos la iban a contar.

Historias humanas con cierto toque patético y triste son la base de estas peculiares comedias que nos brinda este director de actores, como se le conoce en los círculos de la cinematografía. Ya con su segundo largometraje, “A propósito de Schmidt”, dio a conocer su versión de la comedia protagonizada, nada más y nada menos, por Jack Nicholson. Luego rodó otra comedia poco convencional como fue “Entre copas” para terminar, hace relativamente poco tiempo, con “Los Descendientes”. Si las habéis visto, podréis rápidamente esbozar esa ligera sonrisa de “ya sé a qué te refieres con este tipo de comedias”. Son muy particulares y nada comerciales a las que me atrevería a clasificar como “cine de autor” dispuestas a triunfar en el “Sundance Festival”.

En todas sus comedias brilla con especial fuerza el poder interpretativo y sin tapujos de los actores. Se le considera en ciertos círculos como un “director de actores” y es bien conocida su manera de trabajar con ellos en tan en cuanto a su labor para hacer contrastar en los personajes la comedia y el drama (a veces tragedia) en actuaciones lo más naturales posibles. No hay sobreactuaciones ni papeles contenidos sino un fluir de la evolución de los personajes como la vida misma haciendo conseguir al espectador ser testigo de sus patéticas y aburridas vidas. Consigue hacer desaparecer a los actores para quedarnos con los personajes y, claro está, todo es posible si el elenco es lo suficientemente bueno para conseguirlo. Lo hizo con Nicholson, Clooney y ahora el turno de Dern.

En “Nebraska”, Payne vuelve recurrir a un anciano con delicado estado de salud, bebedor, algo senil y apartado como inútil por su esposa para que sea el centro de esta triste y patética historia. Ya sabéis que poco desvelo las historias de las películas pero si os diré que en esta hay un especial interés en poner en evidencia la vida rural de la América profunda. Pueblos solitarios y tristes. Familias hastiadas y patéticas con unos valores e inquietudes por la vida que a cualquiera le provocaría la huida desesperada a otro lugar. Todo ello queda brillantemente bien reflejado en esta peculiar historia.

Su narración, como las vidas que presenciamos, es pausada y tranquila. Transmite a la perfección ese ritmo desquiciante ayudado por simpleza de sus plano y escasos movimientos de cámara. Planos generales, algunos primeros planos muy acertados y planos en movimiento como los típicos de las “road movies”. Hay un detalle que no consideraré un acierto y es que está rodada en blanco y negro. Imagino que el director ha querido potenciar la tristeza y decadencia de esa América rural quitando el color pero no creo que en realidad funcione. Veo innecesario que la haya rodado así porque considero que es un recurso fácil del que Payne no necesita echar mano porque es sobradamente eficaz como para trasmitir su mensaje. A sus otras películas me remito.

Por último, y no por eso menos importante, la excelente actuación de Bruce Dern, actor veterano y archiconocido de Hollywood. Ha logrado encarnar a este personaje llamado Woody con una gran maestría demostrando que no debemos olvidar a Bruce Dern aunque otro lo hagan.

Veredicto Final

Pocas son las veces en las que se juntan una buena historia, un buen guionista, un buen director, unos buenos productores y un buen elenco interpretativo pero, cuando esto sucede, el resultado es una pieza de cine brillante y digna de ser incluida en las mejores videotecas. Amigos, estoy convencido de que en este caso podemos afirmar que la película “Veredicto Final” (The Veredict) lo es.

Aunque se trata de un guion basado en la novela escrita por Barry Reed, tenemos que destacar la estupenda labor de David Mamet. Lo conocemos por extraordinarios trabajos como en “El cartero siempre llama dos veces”, “Los Intocables de Elliot Ness”, “La trama” y “Cortina de Humo”, solo por nombrar algunos. Uno de los mejores guionistas y tan poco valorado.

Sydeny Lumet se encargaría de dirigir esta película con el estilo tan personal que le caracterizó. Recordad que el pasado 2011 nos dejaba a la edad de 86 años. Él pudo presumir de ser una de las pocas personas de trabajar como guionista, productor y director de cine. Brillantemente en todos los campos. Hagamos brevemente memoria de sus trabajos nombrando, por ejemplo, “12 hombres sin piedad”, “Serpico”, “Asesinato en el Orient Express”, “Network, un mundo implacable” (del cual hablaré en otra entrada), y su última película “Antes de que el diablo sepas que has muerto” (ya comentada en otra entrada). El estilo característico de Lumet nos deja un cine narrativo muy pausado recordándonos, en ciertos momentos, al desarrollo teatral de la historia. En esta película, en concreto,  observamos como los planos generales y el estatismo de la cámara al narrar las escenas nos aproximan a un mundo teatral en el cual permite al actor trabajar las escenas sin cortes ni trucos, haciendo al espectador mero testigo inquieto de lo que sucede.

Los montajes no son la pieza clave de su cinematografía. No vemos el exceso del plano contra plano que acostumbramos a ver en tantas películas. Los actores en un mismo plano secuencia trabajan y van dando forma a la historia. Con esto no quiero decir que no haya primeros planos o primerísimos planos pero solo para mostrarnos detalles que el teatro no puede hacer porque, amigos, esto no deja de ser cine. Pero ciertamente, esta libertad de interpretación hace al actor más actor mostrando todas sus mejores armas, os hablo desde la experiencia de actor que soy.

Al frente de la historia tenemos al inconmensurable Paul Newman. Un actor de método que nos ha brindado las mejores y más conocidas interpretaciones del cine pero sólo ganó un Oscar (“El color del dinero”). Pocos actores han trabajo los personajes como él lo hacía ya que su método interpretativo era, y es, un lujo que pocos actores actuales se pueden permitir. En esta película tenemos a un Paul Newman en una etapa dorada y con una maestría que desborda por los cuatro costados. Su personaje, un abogado con adicción a la bebida y casi arruinado lo trabajó como nadie lo hubiera hecho y lo demostró en cada secuencia de la película tanto en escenas solitarias sin texto como con el resto de su compañeros de rodaje. Aquellos que somos fervientes admiradores de sus trabajo y su trayectoria podemos ver como interioriza su personaje y se permite el lujo de improvisar en las escenas porque ya no es Newman sino Fank Galvin, el abogado. Qué maestro era.

Del resto del elenco, con sus nombres nos debería bastar ya que tenemos a James Mason, Jack Warden y Charlotte Rampling. De la historia no voy a hablar nada en esta ocasión solo que es de abogados, juicios y causas casi perdidas con redención, casi, de por medio. En definitiva, una de esas películas que al verlas apuestas sobre seguro en todos los aspectos. Viva el cine.

Michael Clayton

Tony Gilory fue el escritor y el director de esta buen e interesantísima película. Pasó bastante desapercibida como ocurre con aquellas que no son grandes producciones y además cumple con los requisitos de cine al margen del comercial. Sin duda una pequeña joya que os recomiendo encarecidamente.

Protagonizada por George Clooney, éste interpreta a un personaje llamado Michael Clayton que trabaja para un reconocido bufete de abogados. Su labor no queda bien definida en la historia pero podrías ser un especialista en arreglar asuntos delicados y un tanto engorrosos que requieren la pericia y profesionalidad de un buen abogado mezclado con asesoramiento policial. Un tipo arruinado, separado y algo taciturno que no está pasando por una mala racha. La historia comienza cuando se descubre que una empresa multinacional llamada U-North provocó la muerte de cientos de granjeros por el uso de unos herbicidas y las relaciones entre el bufete y dicha multinacional empieza a tambalear de manera peligrosa, muy peligrosa.

En esta película no solo contamos con buena y dramática interpretación de Clooney sino que lo acompaña Tom Wilkinson, Tilda Swinton (que ganó un Oscar por su interpretación en su papel de reparto) y genial Sydney Pollack. Un reparto muy atractivo y bueno para una producción excelente. Sólo con ver los que la forman ya es un verdadero reclamo para los amantes de cine que no solo se conforman con la cinematografía sino que van más allá. La historia, el debate que suscita, el mensaje que nos lanza y su brillante ejecución. Entre los productores encontramos al propio Clooney, Steven Soderbergh, Anthony Minghella y Sydney Pollack. Al buen entendedor con pocas palabras le basta.

Utilizando un recurso habitual en el cine moderno, si se sabe hacer bien, el flashback, Tony Gilroy, nos va desenmarañando esta apasionante historia que nos atrapa desde el primer momento. El texto es muy bueno y el guion ha sacado lo mejor de él para dejaros unos diálogos sin desperdicio y muy elegantemente hechos. Quiero destacar también la inquietante e incidental banda sonora compuesta por James Newton Howard, un viejo conocido de los que somos seguidores de música de películas.

Injustamente reconocida, “Michael Clayton” debió merecerse alguno premio más aunque con sus 7 nominaciones a los Oscar no se quedó fuera de las miradas de Hollywood. Por cierto, merecidísimo el premio y muy aplaudido el trabajo de Tilda Swinton con una capacidad dramática sorprendente.

Por favor, que haya más cine como éste del que tanto disfrutamos.

El Lobo de Wall Street

Amigos cinéfilos, a esta película también la podríamos llamarla “El lobo de Leonardo de DiCaprio”. Una brillante interpretación en una muy buena película dirigida por uno de los más geniales cineastas de la historia del cine como es Martin Scorsese.

En realidad esta historia es un bicoca para Hollywood y para los afortunados que han trabajado en ella, sobre todo para un DiCaprio en una etapa de gloria interpretativa como la que está viviendo. Para Scorsese es su película vigesimoquinta y la quinta que realiza con su actor favorito actualmente. Amigos, esto no es nuevo. Es bien conocido por todos el hecho de trabajar directores con actores que son valores seguros, símbolos de éxito y saber hacer en la gran pantalla. Además de este ejemplo de Scorsese y DiCaprio, antes con Robert De Niro, podemos nombrar un par de ellos más que nos sirvan de referencia a todos. Recordemos Alfred Hitchcock con Cary Grant y James Stewart u otra colaboración más reciente que acabó en amistad inquebrantable como la Sydney Pollack y Robert Redford. Sólo por mencionar algunos.

“The Wolf of Wall Street” está basada en el libro autobiográfico de Jordan Belfort que fue apodado de esa manera por su desmesurada codicia y ambición. El exceso en todos sus sentidos fue el denominador común en su vida desde que empezara su carrera de bróker allá por 1984 a la edad de 24 años. En poco tiempo ya se estaba convirtiendo en millonario gracias a las numerosas estafas por la venta de los llamados bonos basura. En poco más de veinte años ya había fundado la agencia bursátil Belford donde su éxito y su fortuna eran bien conocidos por todo Wall Street. Sucio, ilegal, estafador y extorsionador de la autoridad pública, Belford acabó con sus huesos en la cárcel y en la actualidad, además de ir devolviendo todo el dinero que robó, da charlas de ética. Paradójico, ¿no es cierto?

La película, como dije al principio, está basada en un libro que escribió Belford en 2008 en el cual está basado la película y que el guionista Terence Winter ha adaptado. Quizá os suene este nombre por el responsable de guiones televisivos como “Los Soprano” o la más reciente “Broadwalk Empire”. Yo no he tenido la suerte de haber leído ese libro pero ya sabemos cómo son las adaptaciones de libros o novelas, que se quedan cortas y abusan de las elipsis obviando detalles de su vida. Intuyo que ha tocado los puntos más importantes de su vida ya que la película dura 3 horas, por otra parte, muy en el estilo de Scorsese.

Apuntaba al principio de mi entrada que el “lobo” era Leonardo y, en mi opinión, es la pieza clave del éxito de la película además del estilo de Scorsese. Nos muestra, una vez más, una brillante interpretación de un personaje muy complicado de realizar por varios motivos. El hecho de que sea biográfica no es una novedad para él, ya que no es la primera vez que interpreta e investiga a fondo personajes que marcaron una historia. Recordad conmigo las películas “El Aviador” (Howard Hughes), “Atrápame si puedes” (Frank Abagnale Jr.) o “J. Edgar” (John Edgar Hoover), todos ellos tan excelentemente interpretados. Trabaja duramente cada personaje y realiza investigaciones sobre cada uno de ellos para sacar lo mejor y lo más fiel de sus personas. En este caso, con Jordan Belfort, lo ha tenido muy complicado pero su resultado queda palpable en una interpretación con momentos de mucha fuerza, excesos, estados de narcolepsia, escenas sexuales casi explícitas y otras características que convierten su trabajo en uno de los mejores del año. Porque, sin duda alguna para éste que suscribe, Leonardo DiCaprio es el mejor actor de sus generación mal que le pese a cierto sector de Hollywood que le cuesta enormemente premiar su excelentes trabajos. En definitiva, 25 años de trabajo y todo los queda por disfrutar de él porque tan sólo tiene 39 años.

El reparto es también digno de mención ya que el elenco no tiene desperdicio ninguno. Voy a destacar, por encima de los demás, la breve pero genial aparición de Matthew McConaughey que ciertamente sabe a poco y la locura desbordante de Jonah Hill que le ha merecido la nominación al Oscar junto con DiCaprio.

El rodaje estuvo marcado por la locura, improvisaciones y sorpresas en escenas que poco a poco se iban hilando y marcado en las escenas finales. Los excesos y el desenfreno es el distintivo de la película y que uno llega a pensar cómo es posible que el propio Belfort no esté muerto ya con todo lo hizo y se metió para cuerpo. Una gran mezcla situaciones y momentos que son difíciles de contar pero que Martin Scorsese sabe engranar gracias a su maestría y su toque característico que le hace único. El montaje narrativo, incluyendo la voz en off del protagonista, hace que el ritmo no decaiga en toda la cinta teniendo en cuenta que son tres horas de película. Sutiles flashbacks con giros inesperados en la historia jugando con el espectador hacen que todo esto funcione y que nos enganche hasta el final. Si es cierto que hay momentos en los que baja un poco ese ritmo y nos damos cuenta de lo larga que es pero rápidamente volvemos a entrar en su vertiginoso ritmo.

Por cierto, hay un detalle del que si me hubiera gustado se incluyese en la historia, y tal vez esté en el libro de Jordan, y es el cómo hizo su fortuna con esta estafa. Con esto quiero decir que no se profundiza mucho en la manera sino en el resultado final de la misma. No es como en “Wall Street” donde el espectador hace un seguimiento de las operaciones bursátiles sino que se ha preferido obviar estos detalles de bróker para centrarse en desparrame y desenfreno que acompañó su vida. Es el Macguffin de la historia que realmente hace ricos a los personajes pero al espectador le da igual cómo si lo que se pretende enseñar es el exceso y la orgía.

En definitiva, una película que no deberíais pasar por alto y disfrutar al máximo. En el momento de escribir estas líneas, finales del mes de Enero de 2014, tan solo conocemos las nominaciones a los premios Oscar pero creo que ya es momento de premiar a DiCarprio por esta interpretación. Veremos a ver.

El Halcón Maltés o el Inicio del Cine Negro

Amigos cinéfilos, hoy quiero recomendaros o, para que aquellos que ya la hayáis visto, que volváis a ver esta joya del cine negro policíaco por excelencia que es “El Halcón Maltés”. Estamos ante la primera película que dirigió, y también escribió el guion, John Huston allá por 1941.

John Huston fue una persona muy con una vida muy peculiar e inquieta. Lo cierto es que a penas se privó de nada en su vida porque fue pasando por distintas facetas en su vida además de ser guionista y director de cine. Llegó a ser campeón de boxeo en su juventud, fue periodista, novelita y hasta criador de caballos. Hasta fue agregado militar estadounidense. Sus comienzos en el cine fueron difíciles, como extra en algunas películas, pero tuvo una figura en su familia que le ayudo a conseguir lo que tanto soñaba. Su padre fue actor y también guionista de películas lo que le introdujo en el mundo de los guiones en los años 30 y principios de los 40.

Precisamente la película de esta entrada es de 1941 y además su primera película como director y guionista. Aunque sigue habiendo sus foros de debate, es considerada como una pieza maestra de su trabajo y del cine negro policíaco. No podemos olvidar que dentro de su impresionante legado de películas tenemos al “Tesoro de Sierra Madre”, “Cayo Largo”, “La Reina de África”, “La Noche de la Iguana” o “El Hombre de Mackintosh” sólo por mencionar algunas como referente.

Para esta película, Hustón se basó en la una historia real, con cierta proporción de mito, en la que se nos cuenta algo sobre el famoso Halcón Maltés. Según nos explica la historia universal, todo comienza en Jerusalén, año 1187. Tras meses de cruentas batallas, las tropas del sultán Saladino conquistan la ciudad de los Santos Lugares. Su llegada significa la expulsión de los caballeros de la Orden de San Juan, que desde 1050 cuidaban y protegían a los pobres y los peregrinos de la Tierra Santa, y el arranque de su deriva a través del Mediterráneo, en busca de tierras donde permanecer. La odisea se acabó el día 24 de marzo de 1530. Ese día, el rey Carlos I de España cedió a perpetuidad a la Orden de San Juan la isla de Malta. Desde entonces, la Orden sería conocida como la de Malta. A cambio del noble gesto, el rey sólo impuso el pago de un simbólico tributo: un halcón maltés.

Pues bien, John Huston imagina una trama interesante y algo enrevesada donde aparece esta preciosa estatuilla involucrando una agencia de detectives privados que dirige el personaje interpretado de manera dura, fría y calculadora, Humphrey Bogart. Por supuesto, siempre contamos con la presencia de las mujeres fatales que pueden ser lo que no son aunque pensemos lo contrario, ¿verdad?  (Ironías del que os escribe) – Para esta ocasión fue Mary Astor la encargada de ser esa mujer que creo los puntos de discordia y paradoja en el relato. Quiero hacer mención también de excelente Peter Lorre que, en mi opinión, fue uno de los mejores, si no el mejor, actor de su época interpretando este tipo de personajes de reparto donde su ambigüedad, ironía, debilidad y, a la vez malicia, añade el toque personal y de ambientación perfectos para el cine negro.

Estamos ante una gran película donde podemos ver claramente el gran potencial que lleva consigo John Huston. El primer lugar, hay que destacar un guion muy escrito y llevado a la pantalla. Hay que recordar que en aquella época, los costes de las películas eran bastante reducidos y en los años 40, en plena guerra mundial, mucho más todavía. La película dura algo más de 90 minutos que para lo que desarrolla la trama es bastante insuficiente y explicaré porqué. La Warner Bros. no podía permitir que la película se saliese de los cánones de cine establecidos en la época por varios motivos; cuanto más durarse la película más costosa era y para un director que había hecho guiones y era su primera película no se podía arriesgar. La brillante estrategia, poco habitual en el cine contemporáneo, fue la de omitir gran parte de la acción de la historia y substituirla por la por diálogos explicativos de los personajes bien en disertaciones explicativas a modo de colofones bien en conversaciones telefónica sintéticas donde las ordenes eran más explícitas que en propio ejército. Ahí tenemos la clave de la películas del cine negro, un tipo duro experimentado que improvisa acciones como si en una emboscada de guerra se tratase y las transmite a sus “muñecas” siguiendo una cadena de mando sin impedimentos ni conflictos más que los que le enemigo le presenta. Porque esta es, amigos míos, la gran esencia del cine negro.

Claro está que no todo todos los directores son capaces que mostrar esa esencia y crear obras maestras. John Huston, junto con otros pocos, fueron los encargados de enseñárnoslo y de hacernos disfrutar de esa magia y ese dominio de la luz y la “no luz”. El blanco y negro fue la segunda clave de este cien. Doy gracias de que el hallazgo del color en el cine llegase décadas después para poder disfrutar de estas joyas que en color no habrían sido iguales.

La narración visual es la tercer clave del cine negro, casi por encima, si me lo permitís, que la propia historia. La visión subjetiva del director a la hora de transmitir al espectador bien quietud, bien desasosiego, rectitud o maldad. Recursos hoy día empleados y, en ocasiones con poco acierto, nos muestran vestigios de ese cine negro donde los personajes corruptos y malvados se nos describen con planos contrapicados y en claro oscuro para turbarnos con sus presencias y jugar con nuestras emociones. Así ocurre con el personaje mafioso de “El Halcón Maltés”, un hombre recio con rictus despiadado que según plano parece más orondo y más despiadado. Estoy hablando de Sydney Greenstreet que debutó en esta película de forma rotunda y acertada.

Todos bailando al son de Mr. Spade, el detective interpretado por Humphrey Bogart que ya llevaba contratado por la Warner varios años y que este papel lo encumbró. Personaje duro, complicado y preparado para todo que va lidiando las difíciles situaciones que se le van planteando con una soltura enviada por los inspectores de policía siempre dos o tres pasos por detrás de él. Un incomprendido y poco ortodoxo detective.

Amigos, confío en que os haya abierto las ganas de volver a ver y de descubrir esta joya del cine negro. Brindo por ello, por el “Halcón Maltés”

Klute

Cuando escuchamos el nombre de Alan J. Pakula lo asociamos a buen cine, interesante y bien interpretado. En esta ocasión podemos también asegurarlo porque en la presente entrada voy a comentar brevemente esta pequeña joya llamada “Klute”.

Una película de 1969 que podíamos considerar como el comienzo en el cine de Pakula ya que es la segunda que realiza ese mismo año tras “El cuco estéril”. Si el lector no está muy familiarizado con este director, os puedo decir que realizó a lo largo de sus carrera muy buenas e interesantes películas que se hallan dentro de los listado de las más conocidas de la historia del cine como “Todos los hombres del presidente” (1976), “La decisión de Sophie” (1982), “Presunto Inocente” (1990) o “El informe Pelícano” (1993). Podemos concluir que a tenor de sus trabajos, el thriller policíaco podría haber sido su elección preferida en la gran pantalla.

Contó un extraordinario reparto encabezado por Jane Fonda y seguido por Donald Sutherland como papeles principales. Ella realiza una de sus mejores interpretaciones si no la mejor, apostando fuerte por un personaje difícil y complicado, una prostituta llamada Bree Daniels que se mete en el ojo de un huracán de investigación policíaca tras las desaparición de cierto hombre que, muy probablemente, acepto sus servicios. El detective, John Klute, que es contratado para llevar a cabo la investigación es interpretado Sutherland, un personaje que nunca ha tratado estos temas y que poco a poco va desvelando la trama en la que Bree se encuentra muy implicada. Cabe destacar el extraordinario trabajo interpretativo de Fonda que llega a su culmen en la escena final que, por supuesto, no voy a desvelar y que es merecedora de premio. Como el Oscar que recibió al año siguiente por este papel dejando al público sorprendido y afianzándose como una de las mejores actrices de su época.

La dirección artística es soberbia creando un ambiente, en ocasiones, inquietante y en otras desolador y patético al presentarnos los apartamentos de los personajes de la película. A esto debemos añadir el inquietante estilo narrativo de Pakula que, como demostraría en trabajos posteriores, deja una marca indeleble en el espectador con escenas intranquilas y con marcado desasosiego, en tanto en cuanto las hace lentas y provocativas en sus encuadres. Destaco sobre los demás esos planos generales recargados  y estáticos donde los personajes y las acciones se presentan a larga distancia obligando al espectador a discriminar de entre todo lo demás. Planos subjetivos que nos hacen sentir espías de un mundo sórdido como es el de esta historia que bien podría haberse rodado en blanco y negro.

No puedo olvidar al compositor de la banda sonora, Michael Small, que pone su mejor broche para adornar esta historia escrita por Andy y Dave Lewis. Una música perturbadora y minimalista que acompaña y fomenta esa intranquilidad que muchas de sus escenas transmiten.

No dejéis de verla ya que es uno de los mejores ejemplos del buen cine de Pakula y de Fonda.

Blue Jasmine

Blue Jasmine, blue Woody.

Así podríamos titular la nueva película de Woody Allen que como todos los años estrena por otoño. Su mente bulle con ideas para escribir nuevos guiones, buscar ciudades emblemáticas y personajes pintorescos un año tras otro. Es incansable a la hora de escribir y dirigir. Pensamos en qué personajes ha elegido este año para contarnos sus historias o qué ciudad o ciudades ha elegido como paisajes urbanos. Lo cierto es que ya no nos preguntamos mucho más, por lo menos durante los últimos años que lleva haciendo películas.

¿Por qué? – queridos cinéfilos, mucho me temo que Woody Allen lleva estrenando la misma película desde que acabó la época de los 90. Que coste que soy un ferviente admirador de su trabajo o, por lo menos, lo era. A partir del año 2000 sus trabajos han ido empobreciéndose, librándose tan solo unos pocos de ellos. Siempre he pensado que Woody Allen hacía terapia con su cine, sus guiones y sus trabajos para teatro. Las obsesiones, las inseguridades, las infidelidades matrimoniales y clasismos de sus personajes han estado presentes en sus obras.

Siempre tuvo un reto muy difícil de superar y era el captar la atención del público con la cotidianeidad de las vidas de los personajes que crea. Es un hecho evidente que el público cuando va al cine quiere evadirse de sus propias vidas y alejarse de lo que acostumbra a ver en su casa o en las casa de sus amigos y familiares. Él lo logró. Logró que con su perspicaz e irónico ingenio a la hora de contar historias nos gustasen sus personajes y sus historias. Todo radica en eso, los diálogos y en la creación de personajes interesantes.

Pero el riesgo de todo esto es la quemazón y el hartazgo del público cuando una y otra vez se le sirve la misma comida pero en diferentes platos. Conforme la edad de Woody Allen aumenta, lo que tanto éxito le produjo años atrás ahora se le vuelve en su contra ya que sus propias obsesiones se han agudizado más en los personajes que crea. Se pierde aliciente, se pierde el interés y por lo tanto, se pierde también el público que va a ver sus películas.

Así ocurre con Blue Jasmie. Una historia plagada de personajes patéticos intentando abrirse hueco en un lodazal que lo único que provoca es que se hundan más. Personajes bien conseguidos y bien estereotipados dentro de la naturalidad que caracteriza a los actores que trabajan con él. Es un gran director de escena y de actores y eso, en cambio, es de los que menos ha flojeado aunque ya no se atreve tanto con las escenas de muchos personajes. En esta ocasión cuenta con la presencia de Cate Blanchett y Alec Baldwin que son los reclamos para ver la película.

Cate interpreta un papel muy complicado y cansado de hacer al ser una persona obsesiva, alcohólica, tomadora de pastillas y tremendamente inestable. Es decir, el alter ego del propio director. Una carga dramática fuerte que resuelve muy bien ya que es una muy buena actriz pero no deja de ser exageradísimo y poco creíble todo lo que ella hace y le sucede. En cambio, Alec está casi en su salsa ya que interpreta un personaje muy cómodo de hacer, su marido, un hombre apuesto, mujeriego, hombre de negocios y estafador.

La trama carece de interés porque es bastante intuitiva en el desarrollo de la misma habida cuenta de la trayectoria de Woody Allen. Utiliza, a mi juicio, un recurso demasiado simple como es el del conflicto entre personajes antagónicos separados por una cultura y unas posiciones sociales tal separadas que ni siquiera se llegan a tocar alguna vez en sus vidas. Esto provoca enfrentamientos acalorados y desbordantes que justifican así las más histriónicas salidas de tono de sus personajes.

En definitiva, podemos ver un Woody Allen anclado en sus mismas ideas que ya ni los paisajes urbanitas pueden camuflar su falta de ideas y lo rancio que ya huelen sus guiones de cine.